jueves, 24 de marzo de 2011

Exposición "Dirt" (Suciedad) en la Wellcome Collection de Londres





La exposición "Dirt" (Suciedad) en la Wellcome Collection de Londres explora la relación de los hombres con sus desechos e inmundicias, productos inseparables de la vida humana que habitualmente tratan de ocultarse.

Desde la obsesión por la higiene que surgió en la Holanda del siglo XVII tras la observación de los primeros microbios al microscopio hasta la contaminación y las toneladas de basura que generan las grandes urbes modernas, "Dirt" ahonda en el papel de la suciedad en el comportamiento social.

Hasta el 31 de agosto, los visitantes de la sala londinense, dedicada a la relación entre el arte y la historia de la medicina, descubrirán alrededor de 200 artefactos reunidos para mostrar "las mugrientas verdades y los sucios secretos" del pasado y el presente de la humanidad.

Entre esos objetos figuran una botella con "el aire más contaminado del mundo", recogido en la provincia china de Shanxi, una pila de ladrillos fabricados con el polvo recogido por la artista británica Serena Korda en decenas de lugares distintos, y unos muros construidos con heces humanas por el español Santiago Sierra.

En el plano histórico, la exposición se adentra en el gabinete del holandés Anthony van Leewenhoek, el comerciante de telas y científico autodidacta que con las lentes de microscopio que pulía en su tiempo libre observó por primera vez las bacterias y microbios que transmiten numerosas enfermedades.

El trabajo del médico inglés del siglo XIX John Snow sobre el cólera en los barrios obreros londinenses ejemplifica la lucha desigual que libraron los hombres contra las grandes epidemias antes de descubrir los mecanismos biológicos que las provocan.

Documentos e instrumentos médicos de la época, una gran urna sellada para transportar los cadáveres consumidos por la enfermedad, y hasta una "excreción intestinal de un paciente con cólera" conservada en una probeta, ilustran el drama provocado por la insalubridad en el Londres victoriano.

En la década de 1860, el 90 por ciento de los pacientes que acudían a la Enfermería Real de Glasgow (Reino Unido) con un hueso roto terminaban sufriendo la amputación del miembro debido a las infecciones.

El cirujano inglés Joseph Lister, representado en la exposición como uno de los precursores de la limpieza y la desinfección en los hospitales británicos con los métodos del químico francés Louis Pasteur, consiguió revertir esa situación.

Ya adentrado el siglo XX, las campañas para extender la higiene cobraron un cariz siniestro cuando el nazismo mezcló la necesidad de asepsia con sus planes de limpieza racial.

Pese a los avances logrados en pleno siglo XXI, "Dirt" recuerda que el alto nivel de higiene en las sociedades occidentales contemporáneas todavía contrasta con la falta de salubridad que lastra la esperanza de vida en las ciudades del tercer mundo.

Varias proyecciones y fotografías de la vida cotidiana en Nueva Delhi sirven para ejemplificar las condiciones insanas en las que todavía vive una parte de la humanidad.

En un planeta cada vez más poblado, las sociedades deben encontrar nuevas fórmulas de manejar sus desechos, una idea que se materializa a través de los pequeños muros de heces humanas creados por Santiago Sierra, que los comisarios de la exposición ubican en una imaginaria Nueva York del año 2030.

Guillermo Ximenis, EFE

sábado, 19 de marzo de 2011

'El tiempo amarillo': así trabajamos y así trabajábamos. 40 aniversario de las Páginas Amarillas

Grandes fotógrafos españoles como Catalá-Roca, Xavier Miserachs, Ouka leele, Luis Escobar, Isabel Muñoz, Alfredo Schommer, Outumuro o Fernando Manso reflejan con sus imágenes la evolución del tejido productivo español entre 1970 y la actualidad en la exposición, El tiempo amarillo. La muestra, instalada en el Museo del Traje, se enmarca en el 40 Aniversario de la primera edición de las Páginas Amarillas.

Publio López Mondéjar es el comisario de esta muestra, compuesta por 76 imágenes y que ofrece un recorrido por los oficios que ha desaparecido como sastrerías, funerarias y antiguas pescaderías para dar paso a nuevos negocios o sectores que han evolucionado de forma espectacular a la par del nacimiento y crecimiento de las páginas amarillas.

Para ello, López Mondéjar ha recurrido desde las imágenes de los clásicos como Alfonso, Luis Escobar, Santos Yubero o Merletti hasta las de los más actuales como Chema Conesa, Castro Prieto, García Alix, Isabel Muñoz, Navia, Ouka Leele o César Lucas.

- Cambios en la sociedad y la fotografía.

En este sentido, Mondéjar alega que esta muestra no sólo refleja los cambios producidos desde las "vísperas democráticas" hasta la actual crisis económica, sino que también refleja los cambios producidos en la propia fotografía española.

En esta misma línea, la consejera delegada de Yell Publicidad, Ana García Fau, alega que Páginas Amarillas refleja "los usos sociales, la ascendencia de nuevas profesiones y la transformación de otras" y recuerda que la guía ha pasado de ser un directorio telefónico a un punto de encuentro entre la sociedad empresarial y aquellas personas que buscan información.

El tiempo amarillo se complementa con una producción audiovisual, dirigida por José Luis López Linares, que recoge el testimonio de seis emprendedores que narran sus particulares experiencias empresariales en formato Ipad. La exposición permanecerá abierta hasta el 31 de mayo y la entrada es gratuita.

Europa Press

La Real Academia de Bellas Artes descubre un cuadro de Van Dyck entre sus fondos

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ha descubierto entre sus fondos un auténtico Anton Van Dyck: 'La Virgen y el Niño con los pecadores arrepentidos', datado hacia 1625. La obra, cuya autoría acaba de ser verificada, figuraba en un inventario de 1964 de la Academia como "copia antigua de Van Dyck", según informa la Academia.

El director de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Antonio Bonet Correa, y el profesor e investigador de Historia del Arte y antiguo conservador del Museo del Prado, Matías Díaz Padrón, explicarán este viernes los detalles del hallazgo.

'La Virgen con el Niño y los pecadores arrepentidos', de Van Dyck muestra a María Magdalena, el Rey David y, entre ambos, el hijo pródigo. Postrados ante María y Jesús, son un símbolo del arrepentimiento. El cuadro es un ejemplo del énfasis que la Contrarreforma católica pone en el sacramento de la penitencia.

Van Dyck, estuvo al servicio del Rey de Inglaterra. Sin embargo, con el lienzo de la Academia y otras obras localizadas dentro y fuera de España a partir de abundante documentación, se revelan vínculos inesperados del pintor con el mecenazgo español. El Rey y los grandes de España coleccionan sus obras en medida no menor a los círculos cortesanos de Gran Bretaña, Holanda e Italia.

- Creían que era una copia.

La obra se ha creído copia de Van Dyck desde principios del siglo XIX. Se había olvidado su presencia en El Escorial, donde la cita Velázquez en su Memoria de 1656 y la ve el Padre Santos en su Descripción un año después, siempre con grandes elogios.

Identificada recientemente en la antigua colección del Duque de Medina de las Torres, Virrey de Nápoles hasta 1643, es probable que este la adquiriese en fechas próximas a la vida de Van Dyck, que murió en 1641.

El Virrey la regaló a Felipe IV y por orden del monarca se llevó el cuadro a El Escorial. No faltan referencias a este lienzo en todos los viajeros y eruditos españoles y extranjeros que visitan El Escorial hasta la guerra napoleónica.

La gran calidad de su estilo y técnica permite catalogar la obra en el periodo italiano de Van Dyck. Esto unido a la proximidad de la documentación citada no deja dudas sobre su autoría, según explica la Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Este cuadro, unido a otras obras de gran interés, se podrá ver en la próxima exposición 'Ecos de Van Dyck' patrocinada por la Fundación Cajamurcia (1 abril-8 mayo, Murcia; 16 mayo-26 junio, Madrid).

Europa Press

jueves, 17 de marzo de 2011

El Shakespeare más falso. 'Falstaff', con Carmen Machi y Raúl Arévalo

Amistad y traición son los temas centrales del espectáculo Falstaff que, bajo la dirección de Andrés Lima, se estrena el próximo 18 de marzo en el Teatro Valle-Inclán del Centro Dramático Nacional donde permanecerá en cartel hasta el 1 de mayo.

Esta obra "radical", según la ha calificado el propio Lima, cuenta con adaptación de Marc Rosich y une en una sola función las dos partes de Enrique IV de Shakespeare e incluye además algunos fragmentos de Ricardo II y Enrique V. Todo ello, sobre la base de la "guerra continua", explica su director para quien Falstaff es el "personaje más grande" con el que se ha encontrado y que "trasciende" al autor inglés.

Para poner en escena esta obra, Lima ha contado con algunos de sus colaboradores habituales en la compañía Animalario. La escenografía y vestuario son de Beatriz San Juan, la iluminación de Valentín Álvarez y la música de Nick Powell. El reparto cuenta, entre otros, con Pedro Casablanc, Carmen Machi, Raúl Arévalo, Jesús Barranco, Alfonso Lara, Rebeca Montero, Ángel Ruiz y el propio Lima.

- Sentido 'brutal' de la comedia.

Para Andrés Lima, Falstaff es "un personaje genial, con un sentido brutal de la comedia y que demuestra sus ganas de vivir". "Ante él se extiende un mundo de intriga política y de ambición. Creo que es una forma de vida y una apuesta del propio Shakespeare", apunta.

En su opinión, esta función destaca por el "enorme trabajo actoral" que le convierte en un espectáculo muy coral, algo en lo que cree firmemente el director de escena quien se considera "mediador" entre el público y la escena.

Asimismo, el director de escena destaca la versión de Rosich, "con una visión muy contemporánea que acerca el texto al oído del espectador". El responsable de la adaptación considera, por su parte, que había que "ir directo a la comedia y al drama" y sintetizar los diez largos actos, lo que ha obligado al elenco de la función a duplicar sus papeles en la obra.

Marc Rosich ha aludido también al "personaje alegórico" de El Rumor, que encarna el propio Lima, y que en este espectáculo se convierte en el "esqueleto que soporta toda la obra". "Es el maestro de ceremonias y hace de oficiante de esta gran mentira que es una obra de teatro", explica.

- Como Sancho Panza.

Para el actor Pedro Casablanc, que se mete en la piel del orondo Falstaff (después de una compleja sesión de caracterización), este personaje "tiene mucho de Sancho Panza y ameniza la guerra civil que vive Inglaterra". Asimismo, ha destacado su "mirada ácida y jocosa de una sociedad que se viene abajo" y el "juego de ideas y palabras permanente". "A todo le saca el aspecto filosófico, pero dentro del juego", apostilla.

A este respecto, Lima cree que Falstaff es algo "muy cotidiano", "tan rey como bufón y bufón de sí mismo". "Es tan de taberna que cualquiera que lo vea desearía ser como él, pero sólo en el teatro", apunta.

Aunque la muerte es otro de los temas presentes en la función, Lima aclara que el espectáculo es ante todo "un canto enorme a la vida".

La actriz Carmen Machi, que interpreta los papeles del Arzobispo y de Doña Rauda, ha señalado que esta circunstancia es "como jugar a dos funciones a la vez".

- Teatro 'esencial'.

La puesta en escena de Falstaff es un espacio muy desnudo "que remite a la manera más sencilla de hacer teatro", señala Lima. En cualquier caso, el director quería conseguir "una función muy bailable" a lo que ayuda sobre todo el trabajo musical de Nick Powell que ha aportado cierto aire de rock & roll e incluso de bossa nova.

La ambientación se ha trabajado desde algo "esencial" que no es el drama histórico sino la guerra civil, entre hermanos. Y ello da lugar, en algunos aspectos, a cierto grado de improvisación que deja expresarse a los actores en el escenario.

Europa Press

domingo, 13 de marzo de 2011

El jubilado y su sustituto, juntos y 'Almacenados'. Obra de David Desola

El director Juan José Afonso presenta la obra de teatro Almacenados (David Desola), que retrata el tedio laboral de un hombre a punto de jubilarse que recibe en su puesto de trabajo, durante sus últimos cinco días de faena, al joven encargado de sustituirle.

La obra, estrenada este jueves en el madrileño Teatro Arenal, gira en torno a la relación entre dos desconocidos condenados a entenderse en un almacén, en donde casi nunca pasa nada, en donde los minutos, milimétricamente registrados por un gran reloj, pasan muy lentamente.

En este ambiente, el encargado (Cesáreo Estébanez) se mueve aferrado a sus pequeñas rutinas, a un orden tan minucioso como innecesario que le da la sensación de estar ocupado, mientras que el joven sustituto (Francesc Tormos) intenta adaptar la realidad a su carácter.

"Se trata de un chico joven que llega el primer día a un almacén y no sabe lo que se va a encontrar. Se topa con un señor que se jubila en cinco días, que le explica lo que se hace en el almacén, que es absolutamente nada. El otro intenta comprenderlo, quiere transformarlo todo, pero al final ambos se mimetizan y el joven comienza a parecerse al viejo", explica el director.

- El choque generacional.

Entremedias, los personajes se ven reflejados el uno en el otro, comprenden su condición y trazan un vínculo inquebrantable, la conciencia de las víctimas, la conciencia de los perdedores. "Cuando te acercas a la jubilación te das cuenta de que el muro es más duro que tu cabeza, que no cae el muro. Cuando eres joven piensas que no, que lo podrás derribar", apunta Estébanez.

"Mi personaje es un tipo que lleva trabajando 30 años y no hace nada. Sus expectativas eran otras, pero, cuando entra en el sistema, el sistema le gana, el sistema siempre gana. No gana a gente como Picasso, pero al resto nos gana. Muchas veces no se cumplen las expectativas", dice.

Para interpretar su personaje, el actor Cesáreo Estébanez, recordado por encarnar al agente Romerales en Farmacia de guardia, se inspiró en clásicos como Pepe Isbert y Rafael López Somoza, cuya forma de trabajar "se ha perdido", según él, en el actual "lenguaje televisivo".

- La tozudez de la juventud.

En la representación, le da la réplica el actor Francesc Tormos, conocido por sus papeles en series de televisión como Hospital Central o Aquí no hay quien viva. Su nuevo personaje, que entra en escena expectante, se va decepcionando poco a poco ante lo que ve, bajo la voz rota de su compañero, ante un almacén silencioso en donde no hay nada que hacer.

"Mi personaje trata de romper las reglas y de adaptar esa realidad a su propio carácter. Para mí es un reto, nunca había hecho un personaje dramático que pasara por tantos momentos diferentes. Ambos hombres tienen la sensación de que no tienen nada que ver el uno con el otro, pero luego se dan cuenta de que son muy parecidos", ha destacado el intérprete.

Por su parte, el director Juan José Afonso, que ya había llevado la obra a las tablas en una ocasión, ha subrayado la idoneidad de la pieza en tiempos de crisis. "Es un momento para hacerla, porque habla sobre el mundo del trabajo, sobre las relaciones y sobre lo que supone para alguien estar ocho horas haciendo un trabajo, al que entrega parte de la vida", concluye.

Europa Press

Gusev, el cuento de Chekov "más clandestino", en el Espai Brossa de Barcelona

El cuento de Pavel Chekov "más clandestino", 'Gusev', recalará desde este miércoles y hasta el 10 de abril en el Espai Brossa de Barcelona, dirigido por Jaume Villanueva y propuesto por Francesc Nel·lo.

A bordo de la embarcación Odessa dos soldados licenciados y un moribundo viajan de vuelta a casa, pero ignoran que nunca llegarán a puerto porque están infectados de tuberculosis y navegarán sin rumbo hasta que muera el último tripulante.

Gusev, Pavel y Suvorín, interpretados por Marc Torrents, Manolo Peña y Boi Pera --que debutan en esta obra--, son los tres protagonistas de este cuento "neutro y frío" del autor ruso.

Tras dos años de preparativos de la obra y mes y medio de ensayo, la compañía Octubre Teatral trae este espectáculo de "fuerte carga humana, sensible y animal", ha defendido el director.

Chopin, Mozart, Bethoven, Rakhmaninov dialogan con la historia que a través de su música y suavizan atenúan la desesperación humana que se vive en el camarote. "La música es el alma de los personajes", ha añadido Villanueva.

"Es una obra muy potente visualmente", ha señalado el director, quien ha apuntado que pretende conseguir que el espectador se introduzca en el camarote con miedo y humanidad.

El escenario juega también un papel primordial, un cubo a la deriva que hace patente cuánto sufren los protagonistas.

"La obra va de alma a alma", ha concluido el director que ha señalado que el vínculo fuerte entre los actores crea un mundo "propio y peculiar".

Europa Press

Un Goya casi inédito verá la luz en Maastricht: 'El apóstol Santiago y sus discípulos adorando a la Virgen del Pilar'

Un coleccionista privado ha dejado en manos de José Antonio Urbina y del anticuario Caylus, un cuadro de Francisco de Goya nunca antes expuesto públicamente. 'El apóstol Santiago y sus discípulos adorando a la Virgen del Pilar' verá la luz en la próxima edición de la Feria de Antigüedades de Maastricht, que se celebra del 18 al 27 de marzo.

Para que el cuadro pueda exhibirse en la Feria de Antigüedades de Maastricht, se ha solicitado una "licencia de exportación temporal" y ha sido "consignado por su propietario, un coleccionista madrileño, hace pocos días", según ha indicado a Europa Press, José Antonio Urbina.

"Este cuadro ha sido un redescubrimiento importante dentro de la obra de Francisco de Goya y es la primera vez que se expone públicamente", subraya Urbina, y recuerda que, en 1957 fue publicado en una revista científica por el marqués de Lozoya, especialista en Goya, pero sin dar excesivos datos.

Preguntado por la venta del cuadro, Urbina afirma que todavía es muy pronto para hablar de posibles compradores, particulares o institucionales, pero se estima que el precio de venta ronde los 4,5 millones de euros. El cuadro mide 107 x 80 centímetros y su procedencia es la colección Rosillo.

"Los datos que había sobre este cuadro era bastante precarios, y nunca se había expuesto públicamente porque siempre ha estado en manos de coleccionistas particulares", ha argumentado este anticuario.

Aunque Urbina asegura que el cuadro ha sido estudiado y valorado por expertos del Museo del Prado, desde la Pinacoteca Nacional señalan que no pueden confirmar ni desmentir ninguna autoría.

Por su parte, la galería Caylus precisa que'El Apóstol Santiago y sus discípulos adorando a la Virgen del Pilar' "es comparable al gran lienzo de altar; las figuras son muy expresivas, de volúmenes poderosos; la técnica es muy empastada con fuertes contrastes de color y sombra; todo ello lo puede datar hacia 1780".

- Goya y la Virgen del Pilar.

La primera imagen conocida de Goya que representa a la Virgen del Pilar es un dibujo a lápiz de una de las páginas del llamado "Cuaderno italiano" realizado hacia 1770 que sirve de punto de partida para el pequeño lienzo de este tema (56 x 42,5 cm.) que pinta hacia 1771-75 ,hoy en día en el Museo de Zaragoza. Goya representa de manera fiel y estilizada, reproduciendo los pliegues del manto, la pequeña talla gótica que se venera en la Basílica del Pilar .

El artista vuelve a reproducir la misma imagen en esta obra, desarrollando el pequeño cuadro del Museo de Zaragoza en una composición más compleja y de mayor tamaño. Pero elimina el coro angélico y el entorno celestial y sitúa la imagen en un claro de una espesura.

"Ante ella, fuerte y extasiado se arrodilla el Apóstol, vestido de peregrino y su manto púrpura desplegado con gran efectismo. Los discípulos rodean la aparición milagrosa con una mezcla de temor y devoción. La gran aureola ilumina la escena y los personajes; todos ellos barbados y de edad avanzada exceptuando el joven del extremo izquierdo cuyos rasgos podrían recordar los del artista en esos años.", se explica en la documentación del cuadro.

Europa Press

jueves, 3 de marzo de 2011

Nuria Espert recibirá el Premio Corral de Comedias de Almagro

La actriz Nuria Espert recibirá este año el Premio Corral de Comedias de Almagro, la distinción más importante que se concederá en el marco de la 34º edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, que se celebrará entre el 1 y el 25 de julio, informaron a Europa Press fuentes del certamen.

El galardón, dotado con una cuantía de 14.000 euros, será entregado el 30 de junio durante la jornada inaugural de esta edición. Con este premio, el festival pretende reconocer la trayectoria profesional y la especial dedicación al mundo del teatro de Nuria Espert.

Espert (Hospitalet de Llobregat, 1935) ha manifestado este miércoles en declaraciones a Europa Press que está "contentísima" y que adora los premios porque le dan "muy buena energía". Además, afirma que es una "amante" del teatro clásico español y extranjero, un periodo de la historia de la cultura "importantísimo" que ha representado "desde muy jovencita".

La actriz señala que actualmente estamos en "uno de los momentos más altos" para la escena, en el que "los proyectos florecen y los teatros se llenan". "Hay una revitalización visible y clara del teatro. El hecho de que los teatros se llenen y de que los mismos profesionales acometan sus propios proyectos en vez de esperar ha supuesto una alegría y una comunicación entre público y profesionales", ha afirmado.

Espert ha indicado que actualmente se encuentra "inmersa" en la representación de 'la violación de Lucrecia', de Shakesperare, cuya gira permanecerá en cartel hasta finales de año. A partir de verano comenzará a pensar en los dos o tres proyectos que tiene en mente, aunque, según indica, aún no sabe cuál de ellos escogerá.

- Momento de "suerte".

La actriz reconoció recientemente que está en un momento de su vida que viene marcado también "por la suerte y las reglas de la naturaleza", que le permiten seguir trabajando. La actriz reconoció, asimismo, que posee una asignatura pendiente: "Hacer Lady Macbeth, un personaje idóneo para mí". Espert no duda en señalar qué actores preferiría como posibles compañeros: Josep Maria Flotats, Josep Maria Pou o José Luis Gómez, todos dirigidos por Robert Lepage.

A la edad de trece años Nuria Espert ya formaba parte de la Compañía Titular Infantil del Teatro Romea de Barcelona. Durante el pasado año terminó, en el Piccolo Teatro de Milán, la gira de La casa de Bernarda Alba, de Federico García Lorca, dirigida por Lluís Pasqual, donde interpretaba la Bernarda, trabajo por el que obtuvo el prestigioso Premio Valle-Inclán, concedido por la revista 'El Cultural' del diario 'El Mundo'.

En total, ha sido galardonada con más de 170 premios de teatro y dirección en España y en el resto del mundo, entre los que cabe destacar, además del Premio Valle Inclán, la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes, el Premio Nacional de Interpretación, Premio BITEF de Belgrado, Premio Laurence Olivier o el Evening Standard a la mejor dirección del año en Londres.

Europa Press

Isidoro Valcárcel, Juana de Aizpuru y José Luis Várez, premios Arte y Mecenazgo

Isidoro Valcárcel, Juana de Aizpuru y José Luis Várez Fisa se han alzado con los Premios Arte y Mecenazgo, promovidos por La Caixa y diversas personalidades vinculadas al mundo del arte, en las categorías de mejor Artista, mejor Galerista y mejor Coleccionista, respectivamente.

Los Premios Arte y Mecenazgo, que han celebrado su primera edición, nacen para distinguir la labor de las partes implicadas en el proceso de creación y divulgación del arte destacando su profesionalidad y su papel distinguido como impulsores de este sector.

Los galardones, encabezados por el presidente de la Fundación Arte y Mecenazgo, Leopoldo Rodés, y nacidos con vocación anual, son "una muestra del apoyo" de la entidad al mercado artístico español "para contribuir a enriquecer el patrimonio", según afirman sus promotores.

"Entendemos que el patrimonio artístico de un país forma parte de su riqueza, es un indicador muy claro de su nivel de desarrollo. España ocupa un lugar más que preeminente en el panorama internacional por su patrimonio artístico, aunque tiene aún camino por recorrer en su preservación", ha subrayado Leopoldo Rodés en la entrega de premios.

Según él, la iniciativa nace con la finalidad de "divulgar" y "estimular" el coleccionismo y "fomentarlo como fuente de mecenazgo", apoyando "siempre" a los creadores, a los galeristas y a los coleccionistas, que, "por desgracia, a veces no reciben reconocimiento".

- Los premiados.

El artista plástico Isidoro Valcárcel Medina (Murcia, 1937), galardonado por "su labor callada, constante, imaginativa y versátil" y su capacidad para "reflexionar sobre el sentido del arte en nuestra época", ha subrayado que "este no es un premio fin de carrera, sino una beca de primer curso". "Lo hecho está reconocido, y dicho de forma cruda, asimilado", ha asegurado.

"Ya no vale lo he hecho. Pero esto no puede oler a frustración, sino a apertura. A partir de ahora, hay nuevas cosas por hacer. Mi propósito sería a partir de ahora demostrar que no me merecía el premio. No entiendo por qué me ha caído a mí", explica el autor en tono jocoso.

Por su parte, la galerista Juana de Aizpuru (Barcelona, 1933), reconocida por su "valentía" y su apoyo "a nuevos talentos", ha destacado "el papel de los galeristas en el desarrollo del coleccionismo", la "asignatura pendiente" que se encontraron, según ella, tras el Franquismo.

Asimismo, José Luis Várez Fisa (Barcelona, 1928), ausente en la ceremonia, ha sido galardonado por su "recorrido único y representativo de la historia del arte español" a través de su antología, una parte "fundamental", según el jurado, del coleccionismo nacional.

La entrega de premios también ha contado con la presencia del presidente de la Fundación la Caixa, Isidro Fainé, y los miembros del patronato de la Fundación Arte y Mecenazgo. Los premiados han recibido sendas figuras realizadas por Miquel Barceló y donadas a la entidad.

Europa Press

'Oráculos', un viaje solitario por tus miedos con el Teatro de los Sentidos

El montaje teatral Oráculos invita al espectador a realizar un viaje solitario a través de sus miedos y de la lírica para convertirlo en protagonista de este juego poético. El Teatro de los Sentidos acerca este montaje a San Agustín del Guadalix hasta el próximo 3 de abril.

Esta obra centra su atención en el arte de la escucha y de la pregunta, con el fin de que el público se acerque a sus propias respuestas. Para ello, la compañía propone un recorrido de una hora y media a través de un laberinto, ubicado en las tres plantas de un edificio, y se sirve de los arquetipos del tarot para buscar la intuición y la escucha.

Según ha explicado en la presentación su director, Enrique de Vargas, aquí los intérpretes son sólo "habitantes" que desaparecen, porque lo importante "no es lo que ves, sino lo que imaginas". Así, estos actores trabajan con la poética del espacio para no interponerse, "porque si no la obra se cae", afirma.

Otro de los aspectos en los que ha incidido el montaje de esta obra es la "preocupación acerca de cómo cargar los silencios", según ha explicado el director. Para la compañía, esto es lo que permite ir mas allá de uno mismo, porque "dependemos normalmente de la respuesta que nos da el psicólogo o el gurú". "Tenemos desconfianza de nuestra propia intuición y dependemos más de los expertos", lamenta.

En este sentido, señala que hoy en día "no tenemos tiempo de escucharnos y, por ello, no tenemos tiempo de respondernos". Así, las personas que deciden entrar en este juego lo hacen partiendo de una pregunta personal. "Generalmente, salen escuchando su propia respuesta", afirma de Vargas.

- Búsqueda interior y juegos poéticos.

Oráculos está dirigido sólo a un "viajero", así que cada cuatro minutos una persona del público podrá introducirse en esta aventura, en la que se encontrará con varios actores. Para realizar el montaje han sido necesarios 2.000 kilos de trigo y cientos de metros para confeccionar los cerca de 400 metros que componen este laberinto y aislar el edificio de la luz externa.

Según ha señalado de Vargas, "en una casa de terror típica se agota muy pronto todo, porque no permite potenciar lo poético". Aquí, sin embargo, se juega con los sueños y es en el campo lírico donde cada uno de los espectadores puede liberarse y buscarse a sí mismo.

El Teatro de los Sentidos, formado por profesionales procedentes de países como Colombia, Chile, Dinamarca, España, Italia o Francia, trabaja la poética de los sentidos e investiga la relación entre lenguajes sensoriales y la creación teatral.

La compañía apunta su trabajo hacia un lenguaje basado en lo no dicho y, siguiendo la huella de tradiciones orales ancestrales, pone en escena el silencio como condición indispensable para una comunicación entre la obra y el público. Su próxima parada será el norte de Francia, donde llevarán el montaje Pequeños ejercicios para el buen morir.

Europa Press

Carlos Slim abre en México un museo con más de 66.000 obras

El magnate Carlos Slim, considerado el hombre más rico del mundo, ha abierto en la capital mexicana una nueva sede del Museo Soumaya que guarda una colección de más de 66.000 obras de artistas como Picasso, El Greco y Leonardo Da Vinci.

Slim ha construido una estructura de 6.000 metros cuadrados para exhibir las piezas de su colección de grandes maestros clásicos, una de las grandes pasiones del multimillonario. La entrada al museo es gratis porque va dirigido a los mexicanos "que no pueden viajar fuera del país" para apreciar las grandes obras universales, según ha dicho el empresario.

En el acto de apertura que ha tenido lugar el martes estuvieron presentes el presidente mexicano, Felipe Calderón, el premio Nobel colombiano Gabriel García Márquez y el periodista estadounidense Larry King.

Todos ellos han quedado impactados por el enorme edificio de seis plantas y un vestíbulo cubierto con 17.000 paneles, cuya construcción costó más de 800 millones de pesos (47 millones de euros), informaron medios locales.

"Pienso que con la inauguración de esta nueva sede del Museo Soumaya se reitera, se refrenda, se subraya la vocación cultural de nuestro país" pero además "contribuye a colocar a México en la vanguardia del mundo cultural", ha expresado Calderón.

Dentro del Museo Soumaya los visitantes podrán apreciar obras de artistas como Picasso, Rubens, Rodin, El Greco, Van Gogh, Monet, Cézanne, Renoir, Matisse, Cranach, Brueghel, Tiziano, Tintoretto y Leonardo Da Vinci, entre muchos otros. Pero también hay creaciones de los mexicanos Diego Rivera, José Clemente Orozco y Rufino Tamayo.

El Museo Soumaya --cuyo nombre es en honor a la esposa fallecida de Slim, Soumaya Domit-- recoge más de 66.000 obras, resultado de las adquisiciones que Slim ha ido acumulando en 17 años, después de que abriera con su esposa el primer recinto.

"Básicamente la idea de coleccionar esta obra fue tener disponible en México una colección para que muchos mexicanos que no pueden viajar fuera del país tengan acceso a este arte, a disfrutarlo y conocerlo", ha enfatizado Slim.

El magnate multimillonario posee una de las colecciones de arte más grandes del mundo, según la revista ARTnews.

Slim, de 71 años, fue considerado en 2010 por la revista Forbes como el hombre más rico del planeta con una fortuna que supera los 53.200 millones de dólares (38.345 millones de euros).

Europa Press