'El tiempo amarillo': así trabajamos y así trabajábamos. 40 aniversario de las Páginas Amarillas

Grandes fotógrafos españoles como Catalá-Roca, Xavier Miserachs, Ouka leele, Luis Escobar, Isabel Muñoz, Alfredo Schommer, Outumuro o Fernando Manso reflejan con sus imágenes la evolución del tejido productivo español entre 1970 y la actualidad en la exposición, El tiempo amarillo. La muestra, instalada en el Museo del Traje, se enmarca en el 40 Aniversario de la primera edición de las Páginas Amarillas.

Publio López Mondéjar es el comisario de esta muestra, compuesta por 76 imágenes y que ofrece un recorrido por los oficios que ha desaparecido como sastrerías, funerarias y antiguas pescaderías para dar paso a nuevos negocios o sectores que han evolucionado de forma espectacular a la par del nacimiento y crecimiento de las páginas amarillas.

Para ello, López Mondéjar ha recurrido desde las imágenes de los clásicos como Alfonso, Luis Escobar, Santos Yubero o Merletti hasta las de los más actuales como Chema Conesa, Castro Prieto, García Alix, Isabel Muñoz, Navia, Ouka Leele o César Lucas.

- Cambios en la sociedad y la fotografía.

En este sentido, Mondéjar alega que esta muestra no sólo refleja los cambios producidos desde las "vísperas democráticas" hasta la actual crisis económica, sino que también refleja los cambios producidos en la propia fotografía española.

En esta misma línea, la consejera delegada de Yell Publicidad, Ana García Fau, alega que Páginas Amarillas refleja "los usos sociales, la ascendencia de nuevas profesiones y la transformación de otras" y recuerda que la guía ha pasado de ser un directorio telefónico a un punto de encuentro entre la sociedad empresarial y aquellas personas que buscan información.

El tiempo amarillo se complementa con una producción audiovisual, dirigida por José Luis López Linares, que recoge el testimonio de seis emprendedores que narran sus particulares experiencias empresariales en formato Ipad. La exposición permanecerá abierta hasta el 31 de mayo y la entrada es gratuita.

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La Real Academia de Bellas Artes descubre un cuadro de Van Dyck entre sus fondos

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ha descubierto entre sus fondos un auténtico Anton Van Dyck: 'La Virgen y el Niño con los pecadores arrepentidos', datado hacia 1625. La obra, cuya autoría acaba de ser verificada, figuraba en un inventario de 1964 de la Academia como "copia antigua de Van Dyck", según informa la Academia.

El director de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Antonio Bonet Correa, y el profesor e investigador de Historia del Arte y antiguo conservador del Museo del Prado, Matías Díaz Padrón, explicarán este viernes los detalles del hallazgo.

'La Virgen con el Niño y los pecadores arrepentidos', de Van Dyck muestra a María Magdalena, el Rey David y, entre ambos, el hijo pródigo. Postrados ante María y Jesús, son un símbolo del arrepentimiento. El cuadro es un ejemplo del énfasis que la Contrarreforma católica pone en el sacramento de la penitencia.

Van Dyck, estuvo al servicio del Rey de Inglaterra. Sin embargo, con el lienzo de la Academia y otras obras localizadas dentro y fuera de España a partir de abundante documentación, se revelan vínculos inesperados del pintor con el mecenazgo español. El Rey y los grandes de España coleccionan sus obras en medida no menor a los círculos cortesanos de Gran Bretaña, Holanda e Italia.

- Creían que era una copia.

La obra se ha creído copia de Van Dyck desde principios del siglo XIX. Se había olvidado su presencia en El Escorial, donde la cita Velázquez en su Memoria de 1656 y la ve el Padre Santos en su Descripción un año después, siempre con grandes elogios.

Identificada recientemente en la antigua colección del Duque de Medina de las Torres, Virrey de Nápoles hasta 1643, es probable que este la adquiriese en fechas próximas a la vida de Van Dyck, que murió en 1641.

El Virrey la regaló a Felipe IV y por orden del monarca se llevó el cuadro a El Escorial. No faltan referencias a este lienzo en todos los viajeros y eruditos españoles y extranjeros que visitan El Escorial hasta la guerra napoleónica.

La gran calidad de su estilo y técnica permite catalogar la obra en el periodo italiano de Van Dyck. Esto unido a la proximidad de la documentación citada no deja dudas sobre su autoría, según explica la Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Este cuadro, unido a otras obras de gran interés, se podrá ver en la próxima exposición 'Ecos de Van Dyck' patrocinada por la Fundación Cajamurcia (1 abril-8 mayo, Murcia; 16 mayo-26 junio, Madrid).

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El Shakespeare más falso. 'Falstaff', con Carmen Machi y Raúl Arévalo

Amistad y traición son los temas centrales del espectáculo Falstaff que, bajo la dirección de Andrés Lima, se estrena el próximo 18 de marzo en el Teatro Valle-Inclán del Centro Dramático Nacional donde permanecerá en cartel hasta el 1 de mayo.

Esta obra "radical", según la ha calificado el propio Lima, cuenta con adaptación de Marc Rosich y une en una sola función las dos partes de Enrique IV de Shakespeare e incluye además algunos fragmentos de Ricardo II y Enrique V. Todo ello, sobre la base de la "guerra continua", explica su director para quien Falstaff es el "personaje más grande" con el que se ha encontrado y que "trasciende" al autor inglés.

Para poner en escena esta obra, Lima ha contado con algunos de sus colaboradores habituales en la compañía Animalario. La escenografía y vestuario son de Beatriz San Juan, la iluminación de Valentín Álvarez y la música de Nick Powell. El reparto cuenta, entre otros, con Pedro Casablanc, Carmen Machi, Raúl Arévalo, Jesús Barranco, Alfonso Lara, Rebeca Montero, Ángel Ruiz y el propio Lima.

- Sentido 'brutal' de la comedia.

Para Andrés Lima, Falstaff es "un personaje genial, con un sentido brutal de la comedia y que demuestra sus ganas de vivir". "Ante él se extiende un mundo de intriga política y de ambición. Creo que es una forma de vida y una apuesta del propio Shakespeare", apunta.

En su opinión, esta función destaca por el "enorme trabajo actoral" que le convierte en un espectáculo muy coral, algo en lo que cree firmemente el director de escena quien se considera "mediador" entre el público y la escena.

Asimismo, el director de escena destaca la versión de Rosich, "con una visión muy contemporánea que acerca el texto al oído del espectador". El responsable de la adaptación considera, por su parte, que había que "ir directo a la comedia y al drama" y sintetizar los diez largos actos, lo que ha obligado al elenco de la función a duplicar sus papeles en la obra.

Marc Rosich ha aludido también al "personaje alegórico" de El Rumor, que encarna el propio Lima, y que en este espectáculo se convierte en el "esqueleto que soporta toda la obra". "Es el maestro de ceremonias y hace de oficiante de esta gran mentira que es una obra de teatro", explica.

- Como Sancho Panza.

Para el actor Pedro Casablanc, que se mete en la piel del orondo Falstaff (después de una compleja sesión de caracterización), este personaje "tiene mucho de Sancho Panza y ameniza la guerra civil que vive Inglaterra". Asimismo, ha destacado su "mirada ácida y jocosa de una sociedad que se viene abajo" y el "juego de ideas y palabras permanente". "A todo le saca el aspecto filosófico, pero dentro del juego", apostilla.

A este respecto, Lima cree que Falstaff es algo "muy cotidiano", "tan rey como bufón y bufón de sí mismo". "Es tan de taberna que cualquiera que lo vea desearía ser como él, pero sólo en el teatro", apunta.

Aunque la muerte es otro de los temas presentes en la función, Lima aclara que el espectáculo es ante todo "un canto enorme a la vida".

La actriz Carmen Machi, que interpreta los papeles del Arzobispo y de Doña Rauda, ha señalado que esta circunstancia es "como jugar a dos funciones a la vez".

- Teatro 'esencial'.

La puesta en escena de Falstaff es un espacio muy desnudo "que remite a la manera más sencilla de hacer teatro", señala Lima. En cualquier caso, el director quería conseguir "una función muy bailable" a lo que ayuda sobre todo el trabajo musical de Nick Powell que ha aportado cierto aire de rock & roll e incluso de bossa nova.

La ambientación se ha trabajado desde algo "esencial" que no es el drama histórico sino la guerra civil, entre hermanos. Y ello da lugar, en algunos aspectos, a cierto grado de improvisación que deja expresarse a los actores en el escenario.

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El jubilado y su sustituto, juntos y 'Almacenados'. Obra de David Desola

El director Juan José Afonso presenta la obra de teatro Almacenados (David Desola), que retrata el tedio laboral de un hombre a punto de jubilarse que recibe en su puesto de trabajo, durante sus últimos cinco días de faena, al joven encargado de sustituirle.

La obra, estrenada este jueves en el madrileño Teatro Arenal, gira en torno a la relación entre dos desconocidos condenados a entenderse en un almacén, en donde casi nunca pasa nada, en donde los minutos, milimétricamente registrados por un gran reloj, pasan muy lentamente.

En este ambiente, el encargado (Cesáreo Estébanez) se mueve aferrado a sus pequeñas rutinas, a un orden tan minucioso como innecesario que le da la sensación de estar ocupado, mientras que el joven sustituto (Francesc Tormos) intenta adaptar la realidad a su carácter.

"Se trata de un chico joven que llega el primer día a un almacén y no sabe lo que se va a encontrar. Se topa con un señor que se jubila en cinco días, que le explica lo que se hace en el almacén, que es absolutamente nada. El otro intenta comprenderlo, quiere transformarlo todo, pero al final ambos se mimetizan y el joven comienza a parecerse al viejo", explica el director.

- El choque generacional.

Entremedias, los personajes se ven reflejados el uno en el otro, comprenden su condición y trazan un vínculo inquebrantable, la conciencia de las víctimas, la conciencia de los perdedores. "Cuando te acercas a la jubilación te das cuenta de que el muro es más duro que tu cabeza, que no cae el muro. Cuando eres joven piensas que no, que lo podrás derribar", apunta Estébanez.

"Mi personaje es un tipo que lleva trabajando 30 años y no hace nada. Sus expectativas eran otras, pero, cuando entra en el sistema, el sistema le gana, el sistema siempre gana. No gana a gente como Picasso, pero al resto nos gana. Muchas veces no se cumplen las expectativas", dice.

Para interpretar su personaje, el actor Cesáreo Estébanez, recordado por encarnar al agente Romerales en Farmacia de guardia, se inspiró en clásicos como Pepe Isbert y Rafael López Somoza, cuya forma de trabajar "se ha perdido", según él, en el actual "lenguaje televisivo".

- La tozudez de la juventud.

En la representación, le da la réplica el actor Francesc Tormos, conocido por sus papeles en series de televisión como Hospital Central o Aquí no hay quien viva. Su nuevo personaje, que entra en escena expectante, se va decepcionando poco a poco ante lo que ve, bajo la voz rota de su compañero, ante un almacén silencioso en donde no hay nada que hacer.

"Mi personaje trata de romper las reglas y de adaptar esa realidad a su propio carácter. Para mí es un reto, nunca había hecho un personaje dramático que pasara por tantos momentos diferentes. Ambos hombres tienen la sensación de que no tienen nada que ver el uno con el otro, pero luego se dan cuenta de que son muy parecidos", ha destacado el intérprete.

Por su parte, el director Juan José Afonso, que ya había llevado la obra a las tablas en una ocasión, ha subrayado la idoneidad de la pieza en tiempos de crisis. "Es un momento para hacerla, porque habla sobre el mundo del trabajo, sobre las relaciones y sobre lo que supone para alguien estar ocho horas haciendo un trabajo, al que entrega parte de la vida", concluye.

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'Oráculos', un viaje solitario por tus miedos con el Teatro de los Sentidos

El montaje teatral Oráculos invita al espectador a realizar un viaje solitario a través de sus miedos y de la lírica para convertirlo en protagonista de este juego poético. El Teatro de los Sentidos acerca este montaje a San Agustín del Guadalix hasta el próximo 3 de abril.

Esta obra centra su atención en el arte de la escucha y de la pregunta, con el fin de que el público se acerque a sus propias respuestas. Para ello, la compañía propone un recorrido de una hora y media a través de un laberinto, ubicado en las tres plantas de un edificio, y se sirve de los arquetipos del tarot para buscar la intuición y la escucha.

Según ha explicado en la presentación su director, Enrique de Vargas, aquí los intérpretes son sólo "habitantes" que desaparecen, porque lo importante "no es lo que ves, sino lo que imaginas". Así, estos actores trabajan con la poética del espacio para no interponerse, "porque si no la obra se cae", afirma.

Otro de los aspectos en los que ha incidido el montaje de esta obra es la "preocupación acerca de cómo cargar los silencios", según ha explicado el director. Para la compañía, esto es lo que permite ir mas allá de uno mismo, porque "dependemos normalmente de la respuesta que nos da el psicólogo o el gurú". "Tenemos desconfianza de nuestra propia intuición y dependemos más de los expertos", lamenta.

En este sentido, señala que hoy en día "no tenemos tiempo de escucharnos y, por ello, no tenemos tiempo de respondernos". Así, las personas que deciden entrar en este juego lo hacen partiendo de una pregunta personal. "Generalmente, salen escuchando su propia respuesta", afirma de Vargas.

- Búsqueda interior y juegos poéticos.

Oráculos está dirigido sólo a un "viajero", así que cada cuatro minutos una persona del público podrá introducirse en esta aventura, en la que se encontrará con varios actores. Para realizar el montaje han sido necesarios 2.000 kilos de trigo y cientos de metros para confeccionar los cerca de 400 metros que componen este laberinto y aislar el edificio de la luz externa.

Según ha señalado de Vargas, "en una casa de terror típica se agota muy pronto todo, porque no permite potenciar lo poético". Aquí, sin embargo, se juega con los sueños y es en el campo lírico donde cada uno de los espectadores puede liberarse y buscarse a sí mismo.

El Teatro de los Sentidos, formado por profesionales procedentes de países como Colombia, Chile, Dinamarca, España, Italia o Francia, trabaja la poética de los sentidos e investiga la relación entre lenguajes sensoriales y la creación teatral.

La compañía apunta su trabajo hacia un lenguaje basado en lo no dicho y, siguiendo la huella de tradiciones orales ancestrales, pone en escena el silencio como condición indispensable para una comunicación entre la obra y el público. Su próxima parada será el norte de Francia, donde llevarán el montaje Pequeños ejercicios para el buen morir.

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